sábado, 13 de junio de 2015

S. SYLVAN SIMON

A propósito de
S. SYLVAN SIMON 
Director y Productor de Cine



Preparando MELODRAMAS, mi último trabajo en este blog, apareció el nombre del director y productor S. Sylvan Simon. Confieso que no lo recordaba y tuve que buscar quién era y qué había hecho. Como suele pasar cuando se trata de alguien que la Crítica -o el Tiempo y los Espectadores- no ha colocado en el Olimpo de los maestros o de las estrellas, nadie o casi nadie se acuerda de él, a pesar de ser su trayectoria muy apreciable. La información es escasa y requiere paciencia encontrarla; en el bien entendido de que por bien que se busque -al menos dentro del margen de maniobra de que dispongo- no es mucho lo que se puede conseguir. No obstante, como tampoco pretendo escribir su biografía, ni hacer un trabajo exhaustivo, sino recordar el trabajo de una persona que hizo cosas muy interesantes a lo largo de su trayectoria profesional, espero que cuanto aparece en este artículo sea suficiente para hacer comprender lo meritorio de su trabajo.

La primera vez que debí saber de él -inconscientemente, puesto que el suyo era un nombre más entre muchos leídos, aunque con letras más grandes- tendría yo seis o siete años, leyendo los títulos (Nota 1) de la película Bad Bascomb (Bascomb el zurdo), que vi con mis hermanos, posiblemente en el Cine Alondra de Barcelona. Unos años después es probable que la volviera a ver en alguna sesión de cine de los viernes por la tarde en el Instituto Jaime Balmes.

Bad Bascomb (Nota 2) era una producción MGM de 1946, dirigida por Sylvan Simon con Wallace Beery y Margaret O'Brien, una niña entonces, que ocupaba el lugar que dejaba libre, por razones de edad, Elizabeth Taylor.


¿Cómo surgió la relación entre Melodramas y Sylvan?

Sylvan dirigió uno de los ejemplos de melodrama de mi trabajo: Washington Melodrama, una producción MGM de 1941, interpretada por Frank Morgan, Ann Rutherford, Kent Taylor y Dan Dailey (nota 3).

Como la curiosidad le puede al gato y al investigador (aunque lo sea a una escala muy modesta), quise saber más. Y salieron cosas -no demasiadas- de sus sólo 41 años de vida.

Sobre S. Sylvan Simon 

Nació en Chicago en 1910 y murió en Beverly Hills en 1951. Dirigió su primera película en 1937, en la primera mitad de los 40s simultaneó producción y dirección para, a mediados de la década centrarse en la producción. Su muerte prematura puede explicar porqué se recuerda tan poco de él -si es que se recuerda algo- a pesar de que pocos meses antes de su fallecimiento fue nominado al Oscar como productor de Born yesterday, Columbia Pictures, 1950, dirigida por George Cukor e interpretada por Broderick Crawford, Judy Holliday (oscar a la mejor actriz) y William Holden.

Como se puede observar, el nombre de Sylvan aparece
antes que el de Cukor y con igual tamaño de letra.
(Nota 4)

Sylvan con Glenn Ford e Ida Lupino (futura directora)
en un descanso del rodaje de Lust for gold, 1949
Sylvan puede que no fuera un director excepcional, de los que dejen huella, cualquiera que sea su éxito mientras están en activo. Un par de años después de su muerte, con sólo 41 años, se iniciaba el principio del fin de la Era de los Grandes Estudios y es imposible saber si sus condiciones hubieran permitido -con la Industria del Cine en plena transformación- el despegue definitivo de su carrera. Era, evidentemente, un hombre de Estudio, capaz de afrontar cualquier aspecto de la producción, con inteligencia, iniciativa e intuición. 

¿Hubiera sido suficiente para llevar a cabo mayores empresas? No lo se. Como director o como productor, dejó una serie de películas, muchas de las cuales están al alcance de cualquier persona aficionada al cine y que puede valorarlas con la perspectiva que da las seis o siete décadas que han transcurrido desde que se hicieron.

En Wikipedia se puede encontrar la relación completa de sus películas como director y como productor. Géneros diversos, películas muy apreciables -se consideren o no dentro del contexto de la época en que se realizaron- e intérpretes muy destacados a los que ayudó a convertirse en estrellas cuando estaba en sus comienzos o pasaban por momentos delicados.


1940, Una comedia de sus primeros tiempos como director.
Two girls on Broadway, MGM , también de 1940, pero un musical: George Murphy, Lana Turner y Joan Blondell.
Lana Turner
 ya era una actriz en pleno ascenso, 
aunque convertirse en una estrella tardaría unos años.

Trish, 1942, primer papel destacado de una estrella en alza,
Susan Peters (1921-1952), con el futuro director, Richard Quine

en el reparto. Susan Peters y Quine se casarían al poco tiempo.

Sylvan tenía una relación muy cordial con sus actores.
Paseando con
Susan Peters y Lee Bowman
durante el rodaje de Trish.
Un Thriller, 1948. Sylvan se movía con soltura en en todos los géneros,
como se puede comprobar en esta selección de películas.
 

Dirigió varias películas del dúo Abbot-Costello. Esta data de 1942.
En el principal papel femenino, Kathryn Grayson, actriz y cantante
que empezaba a destacar después de un largo aprendizaje en MGM.

De la serie sobre la perra Lassie, MGM, 1945. Peter Lawford,
un actor en pleno ascenso, lejos todavía de formar parte del
Rat Pack (el Clan Sinatra) y emparentar con los Kennedy.
En el reparto, en un papel secudario, Nils Asther,
que protagonizó dos películas con Greta Garbo.


LAS NOTAS DE PIE DE PÁGINA 

Nota 1. Siempre he tendido la costumbre de leerme todos los "letreros", aunque a veces tenía que espabilarme porque cambiaban rápido. Fue un buen entrenamiento que me proporcionó una rapidez lectora considerable, me ha sido útil en numerosas ocasiones y, como todo lo que se aprende de muy joven, no decae con los años, dentro de lo que cabe.
Cuando lo de poner los títulos -a veces interminables- pasó a convertirse en el cierre de la película, dejé de hacerlo, a no ser que coincidiera con una parte de la Banda Sonora que me gustaba.

Nota 2. Este programa es de los que se repartían para anunciar un estreno próximo. Lo he encontrado en el Blog, "La caja de mi tío", de Joaquín M. Mollinedo. Según explica el Sr. Mollinedo, su tío le dejó una caja de zapatos, con muchos más, y un listado de las películas que había visto a lo largo de su vida.



Wallace Beery, un excelente actor y un experto piloto. 
Su primera esposa fue Gloria Swanson. El programa corresponde 
a los encontrados por Joaquín M. Mollinedo
El matrimonio duró tres años (1916-1919). Se atribuye el divorcio 
a la bebida y a la violencia doméstica, pero  dos personalidades fuertes, 
con carreras en alza, que eran prioritarias para ambos, 
era difícil que siguieran juntos mucho tiempo.

Nota 3. Sylvan todavía se encargaba exclusivamente de la dirección. Dan Dailey, en los comienzos de su carrera, tenía el tercer papel masculino. Dailey, buen bailarín, se especializó en películas musicales al regreso de la Guerra, aunque el declinar del género a partir de mediados de los 50s, afectó a su carrera.



Nota 4. Como era habitual hasta bien entrada la década de los 60s el tamaño de letra del director era muy inferior y a veces tan minúsculo que pasaba casi desapercibido. Tendría que llegar la revista francesa Cahiers de Cinema y la Nouvelle Vague para que el director cobrara su verdadera importancia. En Estados Unidos el escritor y periodista Peter Bodganovich -y director a partir de finales de los 60s- haría lo mismo. Al cabo de los años, la labor de los directores ha adquirido tal importancia para la Crítica -especializada o no- que los intérpretes son poco menos que ignorados a la hora de analizar una película, salvo que sean santo de su devoción. O, lamentablemente, para atribuirles parte del fracaso, menospreciar su trabajo o ridiculizarlos si les tienen manía. 


Antes de dedicarse a la dirección de películas y posteriormente, 
en diversas épocas, Peter Bodganovich escribió sobre directores 
e intérpretes, en ocasiones después de largas conversaciones. 
Próximamente, un trabajo, ya muy avanzado, sobre John M. Stahl y Doglas Sirk, a no ser que... surja algo que me llame mucho la atención.



domingo, 7 de junio de 2015

MELODRAMAS

¿QUE ES MELODRAMA?

En principio -y viene muy de lejos la definición- el término se compone de la unión de las palabras (originales en griego), "canto o música" y "acción dramática". Es decir: 
Melodía  + Drama = Melodrama
Una obra de teatro dramática en la que la música potencia o hace resaltar determinados momentos, generalmente sentimentales o de creciente intensidad dramática. 

El género que mejor ha representado lo que es un melodrama ha sido la Ópera, con la diferencia de que la música es la parte esencial de la obra y, en realidad, es el drama el que acompaña a la melodía. En términos teatrales puros, sin acompañamiento de música, el término carece de sentido aunque se utilice generalmente de forma peyorativa. Una obra que exagere el dramatismo de las escenas hasta extremos grotescos merece más bien el calificativo de "Dramón". Tribulaciones de un personaje, casi siempre la protagonista, que es víctima de todo tipo de tropelías. 

Melodrame, de Honoré Daumier: Un malvado y una pobre 
muchacha (generalmente huérfana y desvalida) son los 
ingredientes esenciales del... ¿melodrama?
La Traviata, Giuseppe Verdi. No es imprescindible la intervención 
de un malvado: incomprensión de los seres queridos, convenciones 
sociales, unos amores desgraciados y de trágico final, 
también construyen un buen melodrama.
En el siglo XIX, a través del Teatro y la Literatura, el melodrama -que es "drama" pero no "melo", con lo cual el término ya está mal utilizado- adquiere la forma que se hará definitiva: Dramón. Es decir, explotación, más o menos descarada, de cualquier recurso dramático con tal de provocar la implicación del espectador en la trama. 

El Cine incorporó la palabra a su terminología y el término "melodrama" se emplea desde entonces de forma indiscriminada, en todo tipo de géneros cinematográficos. Así, se calificará de "melodramas" películas en las que sus responsables utilizan todo tipo de recursos -por exagerados que sean- con tal de mantener la atención de los espectadores; pero también, para las obras de quienes no han tenido la más mínima intención de hacer uso de ellos sino de contar una historia que requiere elementos de gran dramatismo

MELODRAMAS DE CINE 
En el Cine Mudo, la intensidad dramática o cómica, se potenció en la propia sala de proyección por medio de un piano o un conjunto instrumental. En el Cine Sonoro, la Banda Sonora (nota 1) hizo el mismo papel pero con mucha mayor eficacia, hasta el extremo de que pasado el tiempo la calidad de algunas ha perdurado muy por encima de la propia película. Es el caso de las partituras originales debidas a grandes compositores, plenamente involucrados en las necesidades del guión y elegidos por productores y directores, conscientes de la importancia de la música y del compositor adecuado para una trama en particular. Compositores capaces de crear el climax adecuado para marcar la acción o los sentimientos de los personajes en cada secuencia y de componer melodías individuales asociadas a los personajes principales o para situaciones concretas, que los espectadores identifican de inmediato; lo que se conoce como Leitmotiv (nota 2).

EL MELODRAMA A TRAVÉS DE OTRAS DEFINICIONES
La Real Academia de la Lengua Española lo define así:

"Obra teatral, cinematográfica o literaria en que se exageran los aspectos sentimentales o patéticos."

El Diccionario ideológico de la Lengua española, de Julio Casares, (Nota 3), lo explica mejor porque nos introduce en las distintas acepciones:

Drama puesto en música; ópera // Drama compuesto para este fin // Especie de drama en que, con recursos vulgares, se procura ante todo mantener la curiosidad y emoción del auditorio. Antiguamente estos dramas se acompañaban en algunos pasajes con música instrumental.

Wikipedia (abreviado) dice:

"... obra teatral dramática en la que se resaltan los pasajes sentimentales, patéticos o lacrimógenos, exagerados con la intención de provocar emociones en el público..."

ALGO SOBRE LAS DEFINICIONES ANTERIORES Y LOS CLICHÉS INCORPORADOS
Puntualizando respecto al cine, según se sitúe en una época concreta, acompaño las definiciones ajenas entrecomilladas con algunas fotos.
a) Primeros años del Cine Mudo... "con películas de acción y aventuras"
1912. An unseen enemy, DW.Griffith. Las hermanas Gish
Dorothy y Lillian, en las dos imágenes.
1921. Orphans of the storm. DW. Griffith, el "enemigo" visible

Pearl White, la gran estrella de las películas seriadas: 
The perils of Pauline y The exploits of Elaine. Los peligros 
de Paulina llevó a Pearl White de ser poco conocida a ganar 
3000 dólares/semana. Rodaba sin doble escenas de riesgo


b) los años 30s, 40s o 50s, principalmente... "dirigidas a un cierto público femenino, de características totalmente distintas al género de acción", según una definición o según...
Filmaffinity:
"Subgénero de drama en donde se hace especial énfasis en los sentimientos de los personajes, desempeñando los aspectos emocionales o sentimentales un gran papel en la trama... cuyo paradigma es el cine americano de los años 30, 40 y 50..." 
Veamos varias obras de este subgénero (según Affinity) o dirigidas a un cierto público femenino (según Wikipedia).

Manhattan Melodrama, 1934, MGM. En España se estrenó como El enemigo público nº 1. El gánster John Dillinger (enemigo público nº 1) vió esta película con su novia y a la salida del cine fue abatido a tiros por agentes del FBI. MGM aprovechó lo ocurrido como instrumento publicitario. Otro dato, en este caso más mundano, es que los dos protagonistas masculinos estuvieron casados con la actriz Carole Lombard.

El trío estelar, Clark Gable, William Powell y Mirna Loy lo dice todo; pero añado algo más sobre este subproducto

Productor, David O. Selsznick
Director W.S. Van Dyke. 
Guión, Oliver Garrett y Joseph L. Mankiewicz. Fotografía, John Wong Howe.

En la foto inferior, el protagonista, Blackie Gallagher, fue interpretado, de adulto, por Clark Gable  y por Mickey Rooney, de niño. Seis años después Mickey Rooney -ya  como actor juvenil- era el actor más taquillero, desbancando a Clark Gable y a las restantes estrellas de esos años.

1934: Imitation of life, según John M. Stalh
Stahl filmaba como lo consideraba conveniente, 
sin forzar las situaciones dramáticas y con la música 
cumpliendo su misión. Puede ser un melodrama, 
pero no según el concepto ya degenerado del término.
1941, S. Sylvan Simon. MGM, cuyas películas 
de Serie B superaban a las A de otros estudios, 
melodrama con un argumento policíaco-amoroso.
Años 50s: Magnificent Obssesion
Universal, Douglas Sirk. Como Stalh,  
Sirk hizo películas, de géneros 
muy diversos sin forzar las tramas.
Hacía lo que consideraba necesario. 
En 1959 Sirk hizo una nueva versión 
de Imitation of life
Cuentos de Tokio. No es el cartel original, 
pero me ha parecido interesante

c) Los actuales... "películas dramáticas que buscan ser lo mas realistas posibles, dando un significado y connotación humana".

El redactor, que se muestra muy comprensivo al definir el melodrama "en la actualidad", cita como ejemplos: 
"Breaking the waves" (Rompiendo las olas) de Lars Von Trier; "Last tango in Paris" (El último tango en París), de Bernardo Bertolucci; "La pianiste", de Michael Haneke, "Terms of endearment" (La fuerza del cariño), de James L. Brooks; "Persona", de Ingmar Bergman o "Todo sobre mi madre", de Pedro Almodóvar.





John M. Stahl y Douglas Sirk son considerados dos especialistas del melodrama por una buena parte de expertos en Cine. Stahl, durante los 30s y 40s y Sirk en los 50s, tienen en su historial diversos melodramas. Sin embargo, sus extensas y muy apreciables carreras demuestran que en lo único en que estaban especializados era en hacer buenas películas, extremadamente cuidadas y con una dirección de actores más que notable, hasta el extremo de que ambos sacaron de algunos intérpretes -masculinos y femeninos- sus mejores interpretaciones. Quizá no fueran Obras Maestras, pero eran películas muy apreciables. Por otra parte, viendo algunas de las consideradas como tales -y sus autores calificados como "genios"- el concepto de qué hace que una película se convierta en una "obra maestra" es bastante discutible.

¿QUÉ ES, ENTONCES, MELODRAMA? ¿HAY MELODRAMAS BUENOS Y MELODRAMAS MALOS?
¿Hay Productores y Directores que emplean los recursos de forma "necesaria" y otros que "cargan las tintas" con tal de forzar las emociones? En mi opinión, sí, en ambos casos.

¿Son buenos, Bergman, Bertolucci, Almodóvar, Welles y otros, catalogados como genios o casi y son modestos artesanos, sin grandes recursos pero capaces de emocionar al público, Stahl, Sirk o cuantos no lleven el marchamo de "maestro" otorgado por...? ¿Por quien?

CONCLUSIÓN
Cuando un término o definición se ha utilizado con ligereza, de forma tan superficial y equivocando el concepto; sea o no de forma intencionada; la definición ha perdido todo su valor. El calificativo se usa ya de forma indiscriminada. Así, se cataloga como Melodrama el "malo", el no realizado por un "director de prestigio", que es un calificativo otorgado por el que critica, juzga o simplemente juzgaa lo que está viendo; sea llevado de su propio criterio o del que marcaron sus ancestros en la crítica. 

Mientras, el Melodrama "bueno", nunca es catalogado como melodrama: es una película y, si nos descuidamos, calificada como una obra maestra, según sea el grado de entusiasmo o de veneración hacia el autor de quien otorga la distinción.

Desde el momento en que una obra tiene el acompañamiento imprescindible de la música y forma un todo inseparable, es un melodrama. Hace un siglo o veinte. En China, Hollywood, París, México, Buenos Aires o Barcelona. La haya filmado Ford, Kurosawa, Bergman, Sirk, Almodóvar o Perico el de los Palotes. Se desarrolle en Manhattan, en el Far West o en Las Ramblas. Es sólo mi opinión y, como en las Bodas de Cine (de Hollywood), y, como es de suponer en un tono de lo más melodramático: Si alguna persona tiene algo que decir, que hable, y si no que calle para siempre. 

De todas formas, si alguien expresa su opinión -desfavorable o no- pues también vale. Las opiniones lapidarias no tienen fecha de caducidad, ni patente de corso que impida rebatirlas, así que hay tiempo...
Bueno, excepto en Política, que caducan en 24 horas, tirando largo, y no hace falta rebatirlas porque ya se encarga de hacerlo quien las formuló...

LAS NOTAS DE PIE DE PÁGINA 
Nota 1. La Banda Sonora contiene todo el sonido de una película a través de diferentes pistas: música, diálogos, sonidos, ruidos reales o creados... La música puede ser la de composiciones existentes o creadas especialmente para la película, en cuyo caso se la denomina OST (original Soundtrack) o, en España, BSO.

Nota 2. A Pearl White (1889-1938), la apodaban Stunt Queen porque no utilizaba doble en las escenas peligrosas, que fueron muchas y en las que sufrió numerosas lesiones, algunas muy dolorosas, que le provocaron años después serios trastornos.


 La época del Cine Mudo fue la de la infancia y 
adolescencia de mis padres. Pearl White 
(Perla Blanca) era una de las favoritas de mi madre.  
En algunas fotos antiguas, de cuando era jovencita,
 aparece con peinados similares. Las secuencias 
de acción eran tan numerosas y el climax dramático 
tan intenso que el pianista que acompañaba las 
proyecciones tenía que emplearse a fondo.

Nota 3. Me lo regaló mi hermana Rosario para mi santo porque, además del diccionario, lleva un completísimo capítulo de sinónimos. Lo compró en Libros Porter, Portal del Angel, en Barcelona. Rosario y su esposo, el pintor Joan Rovira, tenían su estudio de pintura justo al otro lado de la Calle Canuda, a escasos veinte metros de la librería. Miquel Porter Moix y mi hermana tenían una relación librero-cliente muy fluída y podían pasarse largos ratos hablando de Cine, Literatura o Pintura. 


Al buscar en la red (en este caso, fotos de la librería y de su propietario), 
algo habitual, pero desconcertante: ausencia casi total de información.
Ni siquiera, en lugares en los que debería ser casi obligado.
 Esto es de lo poco que hay y, en este caso,
lo podría haber escaneado 
de alguno de los libros que compré allí
Nota 4. Max Steiner, compositor de algunas de las mejores bandas Sonoras de la Historia del Cine, es un buen ejemplo. Natural de Austria, discípulo de Gustav Mahler, siendo ya compositor de éxito, emigró a Estados Unidos al término de la Primera Guerra Mundial. Tuvo 26 nominaciones al Oscar, incluída la primera, en 1934, siendo galardonado en sólo dos ocasiones. En 1939 su música para "Gone with the wind" fue nominada para el Oscar, que se concedió a The Wizard of Oz (El mago de Oz) 


Max Steiner
Pasados muchos años y tras numerosas bandas sonoras inolvidables, es difícil encontrar un leitmotiv de la belleza y perdurabilidad de Tara, en Gone with the wind.

Aparte de Over the Rainbow, ¿alguien recuerda algo más de la música de El mago de Oz?

Nota 5.  Algunos montajes operísticos actuales utilizan el recurso del erotismo. Dada la genialidad de ciertos directores y la sabiduría de algunos críticos no seré yo quien califique esa circunstancia de "recurso fácil" y efectivo.


Un "Tannhäuser" actual. ¿Un recurso fácil? 
¿Estaba implícito en el libreto original de Richard Wagner
y una mente privilegiada lo ha descubierto y 

con la "mise en scène" lo ha sacado a la luz?